martes, 27 de diciembre de 2011

LA NARANJA MECANICA: 40 AÑOS TEMIENDO A LOS DRUGOS


El pasado 19 de Diciembre se cumplieron 40 años de la premier en Estados Unidos de la película "A Clockwork Orange" de Stanley Kubrick. Para mi, y soy consciente de que algunos estarán de acuerdo conmigo pero que otros muchos me tacharan de enfermo mental, es una de las mejores películas que se han hecho en todos los años de la historia cinematográfica. Me atrevería a decir incluso que es mi película favorita.

Aunque la premier tuvo lugar el 19 de Diciembre de 1971 en Estados Unidos, la película no fue estrenada en realidad en ese país hasta el 2 de Febrero de 1972, siendo estrenada anteriormente en el Reino Unido el 13 de Enero de ese mismo año. A España la película llego años mas tarde, el 16 de Junio de 1975, y siendo posteriormente re-entrenada en dicho país el 15 de Marzo de 1982 y el 23 de Octubre de 2009. También fue proyectada dentro del Festival de Cine de Sitges el 2 de Octubre de 2010.

Es curioso que la película ha estado siempre prohibida en países como Singapur o Corea del Norte y que en Irlanda no fue estrenada hasta 1999 y la versión en dicho país ha pasado por la temible mano de la censura, e incluso en Inglaterra fue clasificada como Película X. Por lo tanto estamos ante todo una película cargada de polémica.

Como la película la hemos visto la gran mayoría de gente unas cuantas veces no me voy a detener en explicarla, pero si en contar detalles curiosos de la misma. Asi que hagamos un breve repaso de estas curiosidades.

La pelicula fue censurada al poco de su estreno en el Reino Unido, y lo mas curioso del asunto es que la censuró el propio Stanley Kubrick, ya que se rumoreó que un grupo de gamberros habían matado de una paliza a un vagabundo mientras cantaban "Singing in the rain" al igual que aparece en la película de Kubrick. Hasta la muerte de este en 1999 no se volvió a estrenar en dicho país. 

El Korova Milk Bar, que es donde Alex y sus drugos pasan las noches es el mismo bar que aparece en la película Trainspotting. En realidad Trainspotting es un claro homenaje a la Naranja Mecanica pero con tintes muchos mas modernos.

Otra curiosidad es que el propio Kubrick solicitó a Pink Floyd poder ultilizar para la película la música de su disco Atom Heart Mother, pero la banda inglesa se negó.

Cuando Alex se dirige a la tienda de discos, en la entrada de esta hay un hombre leyendo el periódico, pues bien, lo que poca gente ha advertido es que ese hombre es el mismisimo Kubrick haciendo un cameo para su propia película, muy al estilo de Hitchcock.

En la secuencia donde obligan a Alex a ver películas con extrema violencia por primera vez, en la primera película donde se ve a un hombre siendo apaleado, ese hombre es el mismisimo Roman Polanski.

Malcolm McDowell (actor que encarna el papel protagonista de Alex) declaró que trabajar con Kubrick había sido un infierno, ya que se había comportado con los actores como el mas terrible de los tiranos.

El guardaespaldas de Mr. Alexander fue por interpretado por David Prowse, que mas tarde interpretó a Darth Vader en Star Wars. Prowse declaró que acabo tremendamente agotado después de repetir hasta en treinta ocasiones la secuencia en la que lleva en brazos a Alex.

El hecho de que Alex cante "Singing in the rain" es fortuito, ya que McDowell la cantó de forma improvisada al pedirle Kubrick que cantase algo mientras golpeaba a Mr. Alexander (interpretado por Patrick Magee). McDowell solo se sabía la letra de esa canción.

El lienzo de la mujer desnuda que se ve en el Korova Milk Bar es el mismo que aparecíó años mas tarde en la película también de Kubrick, "El resplandor" (1980).

viernes, 23 de diciembre de 2011

10 AÑOS DEL FABULOSO DESTINO DE AMELIE POULAIN


Otro aniversario más... si en el articulo anterior hablabamos del aniversario de Thelma & Louise ahora nos toca hablar de Amelie, otra de mis películas favoritas, tanto por el guion, como por la estética, como por su banda sonora, y por supuesto, por estar ambientada en París, mi ciudad favorita. Posiblemente tú eres una de esas personas que se quedo impregnado de esta maravillosa historia, posiblemente te quedaste enamorado de la maravillosa Amelie Poulain, pero quizas no sepas ciertos detalles de la película que a continuación explicaremos.

"Le fabuleux destin d´Amelie Poulain", que es así como se llama originalmente, aunque en España se estrenó simplemente bajo el nombre de "Amelie" fué estrenada en Francia (país de donde es original), Bélgica y Suiza el 25 de Abril de 2001 aunque en España no se estrenó hasta el 19 de Octubre de 2001.

El papel de Amelie fue escrito para Emily Watson. Jean-Pierre Jeunet se había enamorado de ella (profesionalmente hablando) al verla en "Breaking the waves" de Lars Von Trier, pero Watson tuvo que rechazar el papel porque no sabía hablar francés de forma fluida, no quería pasar un largo tiempo fuera de casa y ademas ya se había comprometido a rodar "Gosford Park" (2001). Lo curioso del asunto es que Jeunet se había obsesionado tanto con Emily Watson que en un principio la película se iba a llamar "Emily", tras el rechazo de Watson se barajó llamar a la película "Amelie des Abesses". Dada la negativa de Watson, Jeunet convoco un casting, y según cuenta Jeunet al ver a Audrey Tautou tuvo que esconderse para ocultar sus lagrimas de emoción. Por fin había encontrado a la actriz perfecta para ese papel. Si Watson hubiese aceptado el papel la película se iba a haber rodado en Londres.

Para preparar el papel de Amelie, Jeunet obligo a Audrey Tautou a ver todas las películas protagonizadas por Audrey Herpburn. 

Otro dato curioso es que Gilles Jacob, director del festival de cine de Cannes, rechazó y menospreció la película, diciendo que la película no era interesante. Esto provocó la indignación tanto del público y de la critica en prensa. Es obvio que el señor Jacob sabría mucho de cine pero en esta ocasión no dió ni una.

La cafetería donde se rodó la película estaba justo enfrente de la casa de Jeunet, su dueño a punto de jubilarse y ya cansado de ella iba a venderla, pero tras el exito de la película decidió conservarla, hoy en día es uno de los lugares mas visitados por los turistas. La cafetería conserva los neones del techo y la característica puerta del baño, pero sin embargo no esta ni el estanco que había en el interior de la cafeteria en la película ni el cristal donde Amelie escribía el menú diario. Por si alguien tiene curiosidad en visitar dicha cafetería os puedo decir que esta en uno de los barrios con más encanto de París, Monmartre, su dirección es 15 rue Lepic.

Ya que la famosa cafetería está en el barrio de Monmatre, desde que la película tuviese tanto existo el precio de los pisos en dicho barrio se han disparado.

La famosa frutería donde Amelie compraba la regenta en la vida real un argelino llamado Alí, que tras el estreno de la película decidió sacar partido y ver renacer un negocio que poco futuro tenía. En la actualidad la frutería se conserva tal cual la veíamos en la película y si vamos a visitarla podremos ver las famosisimas fotografias Polaroid del gnomo viajero de Amelie. La frutería se encuentra en la calle parisina de 56 rue Trois Frères.

El lugar donde Amelie lanzaba piedras al agua es el canal de Saint-Martin, que empieza en la plaza de Stalingrado y acaba en la Bastilla. A las orillas de dicho canal en verano los jovenes se reunen al caer la noche para comer queso con uvas y beber champán.

Es destacable el hecho de que Amelie fue la primera pelicula de Jeunet rodó fuera de un estudio.

Para terminar esta pequeña guía de la película diremos que al ser París una ciudad llena por todos los rincones de graffitis, para la película los lugares donde se rodó tuvieron que ser limpiados y restaurados.

martes, 13 de diciembre de 2011

20 AÑOS SIN THELMA Y SIN LOUISE


Han pasado ya veinte años desde que se estreno una de las películas que marcaron mi infancia, veinte años ¿quien lo diría?. Esta maravillosa obra escrita por Callie Khouri y dirigida Ridley Scott ganadora de 1 Oscar por el mejor guión original se estreno en 1991. Mucho se podría escribir sobre esta cinta, yo simplemente contare brevemente detalles y curiosidades de ella.

Lo que poca gente sabe es que "Thelma & Louise" estuvo a punto de no rodarse, al parecer tanto la temática de la película como su final no llegaban a convencer a un gran numero de productores y directores, no concebían el hecho de que dos mujeres pudiesen defenderse de la violencia machista a base de pistolas. Cuando finalmente Scott acepto dirigir la película, hubo que buscar a las actrices, hecho que trajo unos cuantos dolores de cabeza. De hecho en un principio los estudios quisieron imponer sin éxito que los papeles protagonistas los interpretaran por Meryl Streep y Goldie Hawn ya que contaban con gran esperiencia y popularidad ya en en esa época, pero Scott se negó rotundamente e intentó por todos los medios que los papeles fuesen interpretados por Michelle Pfeiffer y Jodie Foster pero también resulto en vano ya que la primera estaba rodando por entonces "Batman returns" y la segunda estaba rodando "The silence of the lambs". Finalmente los papeles protagonistas los acabarian interpretando dos actrices menos conocidas, Susan Sarandon y Geena Davis. También destacaremos que el papel que fue su debut en Holywood para Brad Pitt en realidad iba a ser interpretado por William Baldwin, aunque un desconocido de aquel entonces George Clooney hizo la prueba hasta en cinco ocasiones para este papel, siendo finalmente rechazado.

Khouri empezó escribiendo el guión con la secuencia final, cosa que a muchos productores no les gustase la idea ya que tenían miedo a que los espectadores no pudiesen encajarlo, pero Khouri insistió en la necesidad de que apareciese el final tal cual estaba escrito. Aun así Riddley Scott rodó un final alternativo, el cual terminaba de la misma manera que el original pero mas detalladamente. También Khouri mostró gran interés en la secuencia de la violación, asegurandose personalmente que se rodara tal cual aparecía en el guión original.

En realidad muchos años antes de que Scott se pusiera al mando de la dirección de la película, esta ya se estaba gestando a principio de los ochenta con Natalie Wood en el papel de Thelma y Tuesday Weld en el papel de Louise. Pero la tragica y repentina muerte de Natalie Wood en 1981 hizo que se paralizase el proyecto hasta que diez años despues decidiese ponerse Scott al mando del mismo.

Como dato curioso diremos que a una de las actrices a las que ofrecieron el papel de Thelma fue a la cantante Cher, pero esta lo rechazó.

Tambien diremos que la eleccion de Brad Pitt como actor en esta película fue gracias a Geena Davis que insistio en que fuese él el actor con el que se acostaba Thelma. Davis admitiría mas tarde que se puso muy nerviosa durante el rodaje de la secuencia sexual con Pitt ya que sentia una gran atraccion hacia el actor. Tras el final del rodaje de la película Geena Davis y Brad Pitt comenzaron una relación amorosa en la vida real.

el punto negativo del rodaje lo puso Scott, que propuso a Geena Davis enseñar un pecho en una de las secuencias del coche sin dialogos, pero Susan Sarandon recriminó tremendamente ofendida la propuesta de Scott diciendo que no iba a permitir que se rodara dicho plano, finalmente salió ganando Sarandon.

Para terminar recordaré que la película estuvo nominada a seis Oscars, consiguiendo finalmente sólo uno, al mejor guión original, estuvo nominada a cuatro Globos de Oro consiguiendo sólo uno, al mejor guión y estuvo nominada a la mejor película extranjera en los Premios César.

martes, 6 de diciembre de 2011

6 MESES Y MAS DE 15 PAISES SIGUIENDONOS!!


El pasado Sabado 3 de Diciembre hicimos 6 meses desde que estamos metidos hasta el cuello en esta aventura. Con un humilde articulo sobre curiosidades del rodaje de la película "The Blair witch proyect" inaguraba El Diafragma Invisible un 3 de Junio del 2011. Han pasado 6 meses, medio año, y en este breve periodo de tiempo hemos tenido lectores de diferentes partes del mundo, nos han visitado gente de países como España, México, Estados Unidos, Argentina, Alemania, Colombia, Chile, Venezuela, Uruguay, Honduras, Ecuador, Guatemala, Perú, Rusia, Reino Unido, Italia, Francia y Malasia. A todos y cada uno de ellos desde aquí les doy las gracias por seguir este humilde blog hecho con la mayor ilusión del mundo. Recordar, que para cualquier sugerencia o comentario podéis escribirme a mariogonriv@gmail.com y que para estar al dia de lo que ocurre aqui teneis dos vias, una es haceros seguidores desde el mismo blog (en la parte derecha del blog, si vais bajando con el raton lo encontrareis) o bien desde facebook en  http://www.facebook.com/pages/EL-DIAFRAGMA-INVISIBLE/160037170730764 . Muchas gracias a todos!!

miércoles, 30 de noviembre de 2011

CINE PORNOGRAFICO: HISTORIA Y ORIGEN DE UNO DE LOS GENEROS CON MAS EXITO


Hoy el tema a tratar puede resultar un poco escandaloso, para algunos el cine pornográfico es censurable se mire por donde se mire, para otros es simplemente una bendición, y para una gran mayoría entre los que yo me incluyo es simplemente un cine que tiene que estar ahí. Aunque muchos lo tachen de inmoral, lo cierto es que según un estudio reciente el 95% de la población adulta se masturba, ya sean hombre o mujeres. Y ante tales resultados y sabiendo que en el año 2005 el cine pornográfico facturo mas dinero que el cine convencional de Holywood me resultaría bastante hipócrita decir que el cine pornográfico es inmoral y debería estar prohibido.

Lo que si es cierto es que este genero cinematográfico por alguna extraña razón esta mas destinado al genero masculino que al genero femenino, y que en mi opinión debería existir mas cine de este genero en el que se preocupase en averiguar cuales son los gustos femeninos, que cosas excitan mas a las mujeres y luego plasmarlas en el celuloide. 

Tras esta breve reflexión personal, vayamos a explicar cuales fueron los orígenes de este genero, sin entrar en  aspectos morbosos e "inmorales".

El cine pornográfico nació casi al mismo tiempo que se inventó el cine por parte de los hermanos Lumière. Dos de los pioneros del cine pornográfico fueron Eugène Pirou y Albert Kirchner, los cuales dirigieron la primera película de este genero, dicha película se llamaba "Lèar". Esta película en la que se mostraba a una actriz desnudándose inspiró a una serie de películas francesas que imitando a la original en ellas también salían mujeres desnudándose, dándose rápidamente cuenta los productores del potencial comercial que tendría este tipo de cine.

Sin embargo Dave Thomson en su documental "Black and White and Blue" (2008) apunta que no fue Pirou el inventor del cine pornográfico sino que este genero en realidad nació en los burdeles de Buenos Aires hacia comienzos del siglo XX, extendiéndose rápidamente por Europa. Al no conservarse ninguna de las películas de las que habla Thomson, es difícil averiguar realmente cual fue el verdadero origen del mismo. Según Patrick Robertson en Film Facts, "la primera película pornográfica de la que se conoce fecha exacta es "A L´Ecu d´Or ou la bonne auberge" rodada en Francia en 1908. La película muestra a un soldado que tiene una cita con una doncella en una posada. La argentina "El Satario" podría ser incluso mas antigua, se cree que fue rodada entre 1907 y 1912. En la película alemana "Am Abend" (1910) se ve a una mujer que comienza masturbándose sola en una habitación y posteriormente practica sexo vaginal, oral y anal con otro hombre.

El cine pornográfico se extendió de forma rápida y amplia en la época del cine mudo de los años 20, siendo proyectadas generalmente en burdeles. Pronto se convirtieron en ilegales, y acabaron siendo producidas  por aficionados de forma ilegal a partir de 1940, teniendo que revelar las películas en la bañera de casa y luego distribuirlas de forma privada entre propietarios, siempre con el miedo a que te descubriesen ya que estaba penado con la carcel. Tras la Segunda Guerra Mundial y la aparición de formatos como el 8mm o el Super 8 la cosa cambio, aparecieron nuevos emprendedores y la difusión de este tipo de películas acabó siendo a gran escala.

En 1969 Dinamarca fue el primer país en legalizar el cine pornográfico, y posteriormente en ese mismo año también lo hicieron los Países Bajos.

En 1971 la película "Boys in the sand" trajo consigo una serie de novedades. Fue la primera película pornográfica gay, también fue la primera película pornográfica en incluir créditos en pantalla para el reparto y equipo de producción (en su gran mayoría con pseudónimos), en parodiar un titulo comercial (En este caso parodiaba a la película "The boys in the band") y también fue la primera película de este genero que analizo el New York Times.

Posiblemente la película pornográfica mas famosa sea "Deep Throat" (1972), aquí en España conocida como "Garganta profunda". Dicha película marcó un antes y un después en este genero. Como dato curioso podemos decir que "Deep Throat" no fue aprobada en su versión sin cortes en Gran Bretaña hasta el año 2000, y no fue reproducida públicamente hasta el año 2005.

La década de los 80 fueron unos años de cambios constantes en el cine pornográfico. La aparición del formato de video-cassette o comúnmente llamado cinta de vídeo, permitió que la gente ya no tuviese que ir necesariamente a una sala para poder ver estas películas, sino que podía llevárselas a casa para poder verlas de forma tranquila e íntima. También en esta década apareció la cámara de vídeo casera, permitiendo que cualquier usuario grabase sus propias películas pornográficas de forma casera o amateur.

Para terminar, cabe destacar que en 1987 se legalizó en Estados Unidos este genero de cine.

En los años 90 este cine se extendió a una velocidad vertiginosa gracias a la aparición de internet. Este avance significo que una persona ya no tenia que solicitar una película pornográfica en cuestión y esperar varios dias a que se la enviasen a casa, sino que podía escoger en un amplio abanico de títulos y verla en el mismo momento desde su ordenador en su casa.

martes, 22 de noviembre de 2011

EL MAGO DE OZ, PARTE I : LA PELICULA MALDITA


Si oímos decir "El mago de Oz" a todos se nos viene a la cabeza esa deliciosa película estrenada en 1939 que tenia como protagonista a una jovencisima Judy Garland (madre de la también famosisima Liza Minnelli). Pero al margen de ser una película maravillosa ganadora de dos Oscar, también hay que tener en cuenta ciertos detalles curiosos de la película, que van desde fallos de raccord hasta leyendas oscuras en el rodaje. En el mundo de las baldosas amarillas todo es posible. Bienvenidos a este maravilloso viaje...

Uno de los detalles que mas saltan a la vista durante el visionado de la cinta es el hecho de que Dorothy pasa de tener el pelo largo a tenerlo corto y acto seguido volverlo a tenerlo largo. Otro detalle curioso de la película es que la famosa canción "Somewhere over the rainbow" (con la que la película ganó uno de sus Oscar) estuvo a punto de no ser incluida en la película por ser demasiado larga.

Pero quizas los amantes del cotilleo cinematográfico hayan oído alguna vez hablar del famoso suicidio ocurrido en el rodaje de la película. En la secuencia en la que los personajes se dirigen a ver al Mago de Oz se puede apreciar como al fondo del decorado entre los arboles un supuesto enano que participaba en el rodaje se suicida ahorcandose de uno de esos arboles. La leyenda cuenta que durante el rodaje nadie se percató de lo sucedido y que no fue hasta el visionado posterior cuando los responsables de la película se dieron cuenta de lo que allí había ocurrido. La leyenda también cuenta que dicho plano no fue eliminado porque eso hubiese supuesto una enorme perdida de dinero a la productora. Pues bien, llegados a este punto puedo afirmar que como bien dije anteriormente todo esto es solo una leyenda. Lo que parece ser un enano balanceandose colgado de un extremo de una cuerda y esta a su vez colgada de uno de los arboles del decorado de la película es en realidad uno de los animales que ambientaban dicha película. En concreto es un ave exótica que mueve cuello y cabeza dando la impresión que algo cuelga al fondo. Aquí os dejo un par de vídeos, en el primero se ve el plano en cuestión, fijaros al fondo del decorado, entre los arboles. En el segundo vídeo veréis exactamente lo mismo que en el primero pero aumentada la imagen, ahí podréis ver que en realidad era un ave exótica.







Pero lo que si que es cierto es que ocurrieron una serie de cosas que hicieron que la película fuese catalogada como maldita.

Buddy Ebsen iba a interpretar el papel de Hombre de Hojalata, pero cuando empezó el rodaje Ebsen empezó a encontrarse mal, su cara se empezó a hinchar y tuvo que ser hospitalizado. Había experimentado una reaccion alérgica al maquillaje ya que este llevaba polvo de aluminio el cual era toxico. Ebsen finalmente tuvo que abandonar la película aunque su voz puede seguir escuchandose en la cancion "Vamos a ver al mago".

Como sustituto de Ebsen se eligió a Jack Haley, y el maquillaje fue cambiado por una pasta con menor cantidad de aliminio en él. Lo curioso del caso es que Haley durante mucho tiempo pensó que Ebsen había sido despedido y nadie le informó que en realidad Ebsen había resultado intoxicado por el maquillaje. Finalmente y mucho tiempo despues Haley descubriría la  macabra verdad.

Otro hecho no menos curioso del rodaje era que el vapor que desprendía el disfraz del Hombre de Hojalata asustaba al perro Toto (que en realidad se llamaba Terry), y cada vez que veía a este echar humo el pobre animal salía corriendo del set de rodaje. También hay que destacar que el pobre animal no solo sufrió del temor del famoso humo, sino que también sufrió un pequeño accidente, ya que uno de los actores que interpretaban a uno de los guardias de la bruja pisó por accidente al pobre animal, enviándole automáticamente a un veterinario. Estuvo dos semanas de baja recuperándose pero no murió de ello, sino que murió años mas tarde en 1945 y fue enterrado en el jardín de su dueño. Durante esas dos semanas que Toto (o Terry, como queramos llamarlo) estuvo de baja se utilizaron un par de canes parecidos a él como sustitutos.

También debemos de nombrar el hecho de que el actor Bert Lahr, que interpretaba al León Cobarde, sufrió de hambre y sed durante varias jornadas de rodaje por culpa del maquillaje facial. Finalmente pidió que le cambiasen dicho maquillaje en el que se incluía una bolsa de papel marron que solo le permitía ingerir batidos y sopas.

No menos sufrió Margaret Hamilton, actriz que daba vida al personaje de la Bruja del Oeste, ya que recibio grabes quemaduras en la secuencia en la que su personaje abandona la tierra de los Muchkin. Este accidente ocurrió cuando la maquina encargada de crear humo tuvo una avería y estuvo a punto de quemar viva a la actriz en pleno rodaje. Pero ahí no termina el asunto, durante el mes que estuvo Hamilton de baja por recuperacion, la actriz que la sustituía también sufrió otro accidente en el rodaje al estallarle fotuitamente el palo de la escoba.

Tras estos incidentes no podemos negar que la película estaba maldita.

Continuará...



jueves, 17 de noviembre de 2011

FOTOGRAFIAS QUE SE MUEVEN... CUANDO LO IMPOSIBLE SE HACE POSIBLE


Si alguien os dijese que existen fotografías donde aparece un objeto que se esta moviendo constantemente diriais que es imposible. Pero a veces lo que parece imposible para algunos es posible. 

Pues bien, de lo que vamos a hablar ahora es de eso, imagenes que se mueven constantemente en una fotografía como si de magia se tratase. Vamos a hablar del efecto "Cinemagraphs".

El "Cinemagraphs" es una tecnica que se queda a medio camino entre la fotografía y el video. La fotógrafa Jamie Beck junto con el artista Burg Kevin han creado esta técnica que consiste en hacer un gran numero de fotografías en pequeñas fracciones de segundo y luego unirlas todas convirtiendo todo a una imagen de formato GIF.

Aunque los archivos GIF han existido toda la vida, tanto Beck como Kevin han logrado crear un efecto en ellos totalmente innovador.

Aqui os dejo unos ejemplos del trabajo de Beck y Kevin para que opineis.

















martes, 8 de noviembre de 2011

¿PINTURA O FOTOGRAFIA? EL ARTE DE DESPISTAR DE ALEXA MEADE


A veces una fotografía no se queda en el simple hecho de capturar un microsegundo de nuestra vida, del mundo que nos rodea, sino que también una fotografía puede ser una exposición artística de un concepto o idea a desarrollar o entender. A veces una obra la interpretamos de una manera u otra, siempre dándonos a elegir el artista la forma de entender las sensaciones que causan en nosotros dicha obra. Pero en otras ocasiones las sensaciones causadas son confusas y diversas, y esto es un claro ejemplo de lo plasmado en las obras de Alexa Meade, una artista norteamericana que mezcla fotografía con pintura hiperrealista.

Su técnica ha revolucionado la manera de entender el arte fotográfico y pictórico, ya que ya no es una cosa u otra sino que es una combinación de ambas. Si vemos una de sus fotografías no sabemos si lo que vemos es un modelo de carne y hueso o es simplemente los trazos de un pincel sobre un lienzo, pero una vez que vemos su proceso de elaboración comprendemos que son ambas cosas, modelos de carne y hueso cuya piel ha sido decorada de forma policromada.

Esta artista de tan solo 25 años ya puede presumir de haber expuesto en la Postmaster de Nueva York o en la Saatchi de Londres. Me atrevo a vaticinar un gran futuro para ella.

Si quereís saber mas sobre ella y sobre su obra no dejeís de visitar su web http://alexameade.com/

Y para que comprendáis mejor su técnica de trabajo, aquí os dejo unas fotografías que muestran claramente como consigue tal efecto.
















martes, 1 de noviembre de 2011

ESPECIAL DIA DE TODOS LOS SANTOS... ZOMBIES!!


Hoy, día en el que al menos en España (no se si en el resto del mundo será igual) vamos todos a los cementerios a poner flores a nuestros familiares ya fallecidos, creo que es un buen día para hablar de ellos, de los muertos, pero de una manera particular, porque vamos a hablar de... LOS MUERTOS VIVIENTES!!

Aunque muchos digan que se escribe zombi a mi sinceramente me gusta mas escribirlo como zombie, a la inglesa, asi que como el blog es mio lo escribo como me da la gana. Aclarado esto pasemos a explicar el asunto en cuestión. Son muchos los aficionados al genero zombie en el cine, pero no son tantos los que realmente conocen la historia de este subgénero del cine de terror.

El cine de zombies surgió en 1930 como un claro reflejo a las leyendas haitianas asociadas a la magia negra y al vudú. Estas leyendas y cultura folclórica haitiana llego al mundo americano gracias a la obra literaria "The magic island" de W.B. Seabrook, que posteriormente fue adaptada al teatro por Kenneth Webb y estrenada en Broadway bajo el titulo  de Zombie. Tanto la obra literiaria como la obra teatral relataban la historia de un hechicero haitiano que podia revivir a los muertos y privarlos de voluntad alguna, para hacerlos trabajar a su servicio.

Hemos de decir que desgraciadamente la obra de Webb tan solo duro 21 reprensentaciones y pronto fue retirada de los escenarios. Pero sin embargo los hermanos Halperin los cuales poseían una productora cinematográfica ya habían echado el ojo a la obra de Webb, decidieron llevarla a la gran pantalla con ayuda del guionista Garnett Weston. A Webb no le gusto la idea ya que lo considero un plagio de su obra e intento por todos los medios paralizar la película, pero no lo consiguió, asi que finalmente se estreno en 1932 bajo el titulo de White Zombie (En España se le llamó La legión de los hombres sin alma). No hace falta decir que la película de los hermanos Halperin fue la primera película de zombies de la historia del cine.

El argumento de la obra de los hermanos Halperin era el de un villano que poseía una legión de muertos vivientes que trabajaban para él, el típico argumento de cualquier película de zombies que podemos encontrarnos hoy en día, es más, ni siquiera esa primera película de zombies tenía un argumento original, ya que ese mismo argumento recordaba a grandes rasgos a una película estrenada 12 años antes, efectivamente estamos hablando de El gabinete del doctor Caligari (1920) de Robert Wiene.

Aunque White zombie contaba con el gran Béla Lugosi en el reparto, la película fue muy criticada por expertos principalmente porque tan solo el quince por ciento del metraje era sonoro, pero no asi por el público, que hicieron que la película fuese mas que rentable para su distribuidora, United Artists.

A partir de entonces se estrenaron numerosas películas de zombies con el mismo argumento, entre ellas la considerada la peor película de la historia del cine, la llamada Plan 9 from outer space (Plan 9 del espacio exterior) de Ed Wood que fue estrenada en 1959 y que una vez mas Béla Lugosi volvía estar en el reparto.

Pero en 1968 cambiaría por completo el concepto zombie cinematograficamente hablando, ya que en ese mismo año se estreno Night of the living dead (la noche de los muertos vivientes) todo un clásico de George A. Romero, que años mas tarde haría un remake en color Tom Savini en 1990.

A diferencia del remake de Savini, la película de Romero fue rodada en blanco y negro. Cabe destacar también que fue rodada en formato 16 mm y con un presupuesto modesto de 114.000 dolares. Los actores eran amateurs, y en muchas ocasiones eran incluso familiares y amigos de Romero. Para sorpresa del propio director, Night of living dead se convirtió en un rotundo éxito inmediato, catapultando a su director a la fama y convirtiendolo en un director de culto hasta el día de hoy.

A partir de la obra de Romero cambió por completo las caracteristicas zombies. Dichas caracteristicas se mantienen hasta el día de hoy.

Gracias a Romero los zombies ya no son un fenómeno local sino una plaga imparable, nadie controla a los zombies que son simplemente muertos que han vuelto a la vida por si solos (recordemos que anteriormente los zombies volvían a la vida gracias al hechizo de un brujo), la única motivación de  los zombies es alimentarse de la carne de humanos vivos especialmente de su cerebro, su capacidad de razocinio es muy limitada, no son peligrosos por su inteligencia o su velocidad sino por su numero y su voracidad y la razón por la que vuelven a la vida ya no es por efecto de un hechizo sino que puede ser por múltiples razones como por armas nucleares o fugas de sustancias químicas, dependiendo de la película.

En la actualidad el fenomeno zombie lo podemos encontrar en películas como la saga Resident Evil, basados en el videojuego con el mismo nombre, o en series televisivas como The walking dead, basado en el maravilloso comic escrito por Robert Kirkman y dibujada por Tony Moore, reemplazado este ultimo por Charlie Adlard a partir del numero 7.

miércoles, 12 de octubre de 2011

STEADICAM, EL GRAN INVENTO AUDIOVISUAL


Steadicam es el nombre comercial que se da al primer estabilizador de cámara. Consiste en un sistema de suspensión, un brazo recto con soporte para la cámara y un sistema de contrapesos, todo ello agarrado a un brazo que esta unido a un chaleco especial denominado Body.

Con la Steadicam el peso de la cámara se traslada de los brazos del operador a las caderas, siendo dificil usarlo por un largo periodo de tiempo.

Con la Steadicam compesamos los movimientos del operador, mostrando imágenes similares al punto de vista subjetivo del personaje.

Dicha técnica fue inventada en 1976 por Garrett Brown como un sistema para corregir los movimientos indeseados del operador y de esta manera estabilizar la imagen.

La primera vez que se utilizó en el cine fue en el rodaje de la película "El resplandor" de Stanley Kubrick, la cual era una adaptación de la novela con el mismo titulo de Stephen King. Gracias a esto la Steadicam se popularizo y se convirtió en un perfecto sustituto del travelling, el cual resulta demasiado caro.

La gran desventaja de la Steadicam es que el operador tiene que descansar cada cierto tiempo, ya que el peso que soporta en las caderas es enorme, por lo tanto no permite largas grabaciones o rodajes.

Aunque Steadicam fué el nombre comercial que se le dio al primer sistema estabilizador de imagen en la actualidad hay muchos tipos de estabilizadores de cámara, como por ejemplo la Glidecam, la Bodycam, la Flightstick, la Handycam o la Artemis de Sachtler.

miércoles, 5 de octubre de 2011

LA PELICULA MAS LARGA DE LA HISTORIA


Actualmente la película más larga de la historia es "Modern times forever", rodada en 2011, que tiene una duración de 240 horas (10 dias), pero dicha película no aparece en el Libro Guinness de los Records como la más larga de la historia, sino que la que si aparece con dicho record es "The cure for insomnia", que tiene una duración de 87 horas (3 dias y 15 horas).

"The cure for insomnia" fue rodada en 1986 por el director John Henry Timmis IV. En dicha película aparece el poeta Lee Groban leyendo un poema suyo de 4.080 páginas con pequeños cortes de heavy metal y secuencias de videos pornograficos. Solo fue proyectada sin cortes una vez, el día de su estreno, del 31 de Enero al 3 de Febrero de 1987 en el Art Institute of Chicago, Illinois. Nunca mas ha vuelto a ser proyectada.

Como admitiria el director posteriormente, la intención de la película era reprogramar el cerebro de las personas que sufrian insomnio.

En el supuesto de que algún día se decidiese poner a la venta la película en formato DVD, esta llenaría aproximadamente alrededor de 18 a 22 discos.

martes, 20 de septiembre de 2011

ELISABETH SHORT: LA CRUEL MUERTE DE LA DALIA NEGRA

AVISO IMPORTANTE, EL SIGUIENTE ARTICULO CONTIENE IMÁGENES QUE PUEDEN HERIR SU SENSIBILIDAD. DICHAS IMAGENES SERAN EXPUESTAS EL FINAL DEL ARTICULO CON PREVIO AVISO.



Quizás esta sea la historia de una estrella rota, una de las tantas que en su día pasaron por los estudios de Hollywood. Pero quizás esta merezca una atención especial por haber muerto con una de las que a mi juicio me parecen de las peores muertes que existen. Lejos de buscar el morbo en esta historia simplemente dare unas pequeñas pinceladas de lo que realmente ocurrió, aunque obviamente, esos breves detalles que daré no serán ni mucho menos delicados y estremecedores.

Para conocer mejor la historia primero deberiamos conocer un poco la vida de la actriz. Elisabeth Short nació un 29 de Julio de 1924 en Hyde Park, Massachusetts. Cuando tenía tan solo 6 años de edad su padre, Cleo Short, la abandonó junto a sus cuatro hermanas y su madre, Phoebe Mae. A partir de ahí viviría entre Medford y Florida. Posteriormente cuando cumplió los 19 años se marcho a vivir a California con su padre, pero lo que parecía una reconciliación entre hija y padre acabó en una fuerte discusión provocando la marcha  de Elisabeth. Tras diversos problemas, algunos legales, y siendo aún menor de edad bajo las leyes estadounidenses, fue devuelta a Medford, donde realizo diversos trabajos. Posteriormente regreso a Massachusetts, donde obtendría diversos trabajos fugaces, entre ellos el de camarera.

Tras todos estos trabajos, decidió que quería ser estrella de cine, así que se traslado a Hollywood a buscar una oportunidad, oportunidad que nunca llego a cuajar, quedando para la historia cinematográfica como una más de las cientos de chicas que en esa época buscando una oportunidad en el cine se quedaban a medio camino.

Tras todo esto, debemos decir que Elisabeth Short habría caído en el olvido, jamás nadie a día de hoy sabría de su existencia a no ser del trágico final que tuvo.

El 15 de Enero de 1947 el cuerpo de Elisabeth Short era encontrado en un terreno baldío al lado oeste del sur de Norton Avenue, entre la calle Coliseum y la calle West 39th, en el distrito de Leimert Park de Los Angeles. El cuerpo fue encontrada por una mujer, Betty Bersinger, cuando caminaba con su hija de tres años. El cadáver estaba mutilado horriblemente, cortado en dos partes a la altura de la cintura y drenado de sangre. Posteriormente la autopsia determinaría que Elisabeth Short estaba aun viva en el momento en el que cortaron su cuerpo en dos. La cara de Elisabeth mostraba la llamada "sonrisa de Glasgow", es decir, que estaba cortado desde la comisura de los labios hasta las orejas. El cuerpo había sido lavado, y habían colocados sus manos sobre su cabeza y sus codos doblados en angulo recto. Le fueron arrancados el bazo, el corazón y los intestinos.

El informe de la autopsia también indicaba que había marcas en tobillos y muñecas, posiblemente hechas al ser atada con una cuerda. Había evidencias de que había sido obligada a comer excremento. También había recibido numerosos golpes en la cabeza, aunque ninguno de dichos golpes llegó a fracturar el craneo.

El 23 de Enero de 1947, es decir, tan solo 8 días después de la muerte de Short, el asesino llamó al editor del periódico Los Angeles Examiner, expresando su gran preocupación porque no estaban siguiendo de cerca la noticia del asesinato. De esta manera ofreció enviar al editor objetos pertenecientes a Elisabeth Short y que habían sido robados en el momento del asesinato. Al día siguiente llegó un paquete al periódico que contenía el certificado de nacimiento de Short, tarjetas, fotografias, nombres escritos en pedazos de papel y una libreta de direcciones con el nombre de Mark Hansen en la tapa. Hansen había sido la ultima persona que había visto con vida a Short, el 9 de Enero, así que automáticamente Hansen se convirtió en el primer sospechoso.

Posteriormente el asesino escribió más cartas al periódico, autoproclamandose como "El vengador de la Dalia Negra".

El 25 de Enero de ese mismo año, fué encontrada una bolsa y un zapato de Short en un cubo de basura cerca de Norton Avenue. Debido a la notariedad del caso, mas de 50 hombres y mujeres confesaron el asesinato, y otras muchas señalaron a un familiar o persona cercana, afirmando que era el asesino.

A día de hoy aún no se conoce la identidad del asesino, posiblemente debido a que los reporteros de los diferentes periódicos, pisotearon y destruyeron pruebas definitivas en su afán de tener la exclusiva de la noticia.

Elisabeth Short fue enterrada en el Cementerio Mountain View en Oakland, California. Tras varios años y cuando ya sus hermanas habían crecido y se habían casado, la madre de Short se traslado a vivir a Oakland para estar cerca de la tumba de su hija.

El apodo de Dalia Negra se lo pusieron a Short los reporteros de los periódicos en referencia a la pelicula The Blue Dahlia.

A PARTIR DE AHORA SE EXPONDRÁN IMÁGENES QUE PUEDEN HERIR SU SENSIBILIDAD, SI NO ESTÁ SEGURO DE PODER VERLAS NO MIRE MÁS ABAJO DE ESTO

A continuación veremos fotografías del cadáver de Short en el momento que fue descubierto. También veremos una fotografía actual donde una X indica el lugar donde fue encontrado el cadáver de Short en 1947.








lunes, 22 de agosto de 2011

EL PRIMER PROGRAMA EMITIDO EN TELEVISIÓN


¿Quien no tiene una televisión hoy en día en su casa? quien más y quien menos tiene uno de estos aparatos denominados por algunos como "la caja tonta", pero quizás nadie hasta ahora se haya parado a pensar cual fue el primer programa que se emitió. Aunque apenas exista documentación acerca del mismo, si que creo necesario que para hablar de ello debemos hacer un breve repaso a la historia de la televisión.

La televisión tal cual la conocemos actualmente fue gracias a la invención en 1884 del Disco de Nipkow de Paul Nipkow y posteriormente del Iconoscopio de Vladimir Zworkyn y Philo Taylor Farnsworth.

El disco de Nipkow es un disco plano y circular con unos pequeños agujeros dispuestos en forma de espiral desde el centro hasta el exterior. Haciendo girar el disco cada agujero describe una circuferencia de radio diferente, el cual equivale a una "linea de exploración de imagen" en una televisión moderna, cuanto mas agujeros tuviese mayor lineas y resolución contendría la imagen final. Su funcionamiento era simple, se proyectaba una imagen sobre el disco a través de una lente, haciendo girar el disco, haciendo que la proyección pasase por los agujeros del disco de manera que cada agujero describía un circulo de radio diferente, la imagen era escaneada con un número de lineas igual al número de agujeros. Finalmente la luz dejada pasar por cada uno de los agujeros era recogida por un sensor.

El Iconoscopio era una de las primeras cámaras de televisión. Su funcionamiento era de la siguiente manera, las imágenes eran proyectadas en una placa fotosensible, la cual partia la imagen en miles de elementos, que actualmente llamamos pixeles. Un rayo de electrones atravesaba la parte frontal de la placa, "cargandola" de todos los pixeles. Cada pixel retenía una carga eléctrica proporcional a la energía luminosa proyectada anteriormente sobre él, el cual era transportado hacia el exterior de la cámara. Así de esta manera conseguía que una imagen visual acabase transformada en una señal eléctrica.

En 1910 en Disco de Nipkow fue utilizado en el desarrollo de los primeros sistemas de televisión del siglo XX. En 1925 el inventor escocés John Logie Baird utilizó dos discos, uno en el emisor y otro en el receptor, unidos por el mismo eje y separados por 2 mm, consiguiendo así transmitir imagenes desde Londres a Nueva York. Cabe señalar que las primeras retransmisiones experimentales fueron en Julio de 1928 cuando desde la estación experimental W3XK de Washington, Jenkins comenzó a transmitir imágenes exploradas principalmente de películas con cierta regularidad y con una definición de 48 lineas. Pero no fue hasta 1927 cuando se realizó la primera emisión publica, dicha emisión fue realizada en Inglaterra por la BBC, aunque cabe señalar que fue realizada con cierta desgana y desconfianza ya que la BBC no veía en este nuevo invento alguna utilidad practica . Posteriormente, en 1930, Estados Unidos realizó la primera emisión publica con la CBS y con la NBC. En ninguno de los casos las emisiones se realizaban con un horario regular.

La primera emisión con programación y horario regular fue en 1930 en Berlín por parte de la selección local de Partido Nacional Socialista Obrero Alemán, pero los responsables de la propaganda Nazi, en un alarde de su falta de visión futurista, no creyeron en las posibilidades del medio, usando por tanto simplemente la radio.

Las emisiones regulares con programación se iniciaron en Inglaterra en 1936 y en Estados Unidos el día 30 de Abril de 1939, coincidiendo con la inaguración de la Exposición Universal de Nueva York. Las emisiones programadas fueron interrumpidas durante la Segunda Guerra Mundial, reiniciandose al termino de esta.

La televisión electrónica comienza las transmisiones regulares en Francia y en el Reino Unido en 1937, causando un rápido aumento de espectadores y a su vez un rápido desarrollo de la industria televisiva. Los primeros televisores tenían una pantalla pequeña y eran extremadamente caros, pero claro, ante un invento tan importante esto no fue un impedimento para que rapidamente la gente comprase uno de estos aparatos, habia llegado la era moderna.


lunes, 15 de agosto de 2011

EL EFECTO TILT SHIFT O COMO HACER QUE TODO PAREZCA DE JUGUETE


El efecto Tilt Shift es aun un completo desconocido para muchos aficionados a la fotografía, pero para muchos otros es un efecto algo más que espectacular.

Esta técnica produce un efecto surrealista haciendo que cualquier cosa, especialmente los grandes espacios, parezca una miniatura o una maqueta. 

El efecto Tilt Shift se consigue inclinando la lente con respecto al sensor de la cámara. Al inclinar la lente, y tras desplazarlo hacia delante o hacia atrás, uno consigue dos cosas:

1. Logra que se enfoque solo una parte de la imagen, de una manera muy surrealista, ya que la "banda de enfoque" es proporcional a la inclinación de la lente, lo que significa por ejemplo que puedes tener la parte de arriba y la parte de abajo de la foto fuera de foco, pero la banda central totalmente enfocada.

2. Logra cambiar la perspectiva capturada en la lente, en una relación matemática que relaciona el plano del sensor con el plano de la lente inclinada.

Combinando estas dos cosas consigues hacer que nuestra mente capte la imagen como si esta fuese un objeto en miniatura.

Para lograr este efecto tienes dos maneras de conseguirlo:

1. Puedes comprar unas lentes especialmente diseñadas para lograr este efecto, las hay de todas las marcas populares (Nikon, Canon...), esta es la manera mas adecuada para conseguir un buen Tilt Shift, pero tambien es la mas cara.

2. Puedes construir tu propia lente siguiendo las numerosas guías que podrás encontrar curioseando un rato por internet.

También hay quien afirma que se puede conseguir el efecto retocando la fotografía con Photoshop, pero yo no estoy muy convencido de que el resultado sea el adecuado. Si aun así quieres saber como hacerlo puedes mirar los múltiples tutoriales que existe en internet.





martes, 9 de agosto de 2011

URI GELLER: LA NOCHE EN LA QUE LOS ESPAÑOLES SOÑAMOS CON EL PODER DE LA MENTE


Aquel Sábado 6 de Septiembre de 1975 fue un punto de inflexión en la historia de la televisión española. Podemos decir que desde ese día hubo un antes y un después. Desde ese día todos recordaremos a Uri Geller.

Uri Geller nació el 20 de Diciembre de 1946 en Tel Aviv (Israel). De padres húngaros y austriacos a la corta edad de 5 años descubrió que tenia poderes mentales tras sufrir una descarga que le hizo perder el conocimiento. Entre los 11 y 17 años se traslado a vivir a Chipre y allí comenzó sus poderes leyendo la mente a su madre (que según él es descendiente directa del mismisimo Simund Freud) y mas tarde doblando cucharas.

A partir  de 1969 comienza a hacer actuaciones en pequeños locales cercanos, y es en 1970 cuando decide irse a recorrer el mundo enseñando sus poderes.

Pero quizás la parte que mas nos interesa es cuando Geller aterrizo en España en 1975, había sido invitado por Televisión Española para ser entrevistado por José María Íñigo dentro de la sección "Lo intangible" de su programa "Directisimo" que se emitía en absoluto directo las noches de los Sábados.

El Sabado 6 de Septiembre de 1975 Uri Geller hacia su aparición en el plató de "Directsimo" y ante la mirada atónita de todos los presentes allí Geller hizo doblar una cuchara con tan solo el poder de su mente. Aquel día  20 millones de espectadores lo vieron a través de su televisión. Geller también logró que la gente desde sus casas viesen como se doblaban sus propias cucharas como si una fuerza salida de la misma pantalla hiciese tal maravilla. Y aun más lejos, Geller también consiguió que las personas que estaban viendo el programa y tuviesen un viejo reloj que ya no funcionase desde hacía tiempo, empezase a funcionar como por arte de magia. Esa noche la centralita de de TVE sufrió un colapso por la gran cantidad de llamadas que recibía de las personas que estupefactas buscaban una explicación a lo que acaba de ocurrir.

Más tarde José María Íñigo admitiría que esa noche no pudo volver a su casa en coche porque Geller habia doblado también sus llaves.

Tan solo dos días después, el lunes 8 de Septiembre, 10.000 personas estaban haciendo cola en el Corte Ingles para que Geller, aquel maravilloso hombre que los había hecho soñar, les firmase su autobiografía "Mi fantástica vida"

A partir de entonces son muchos los que los tachado de fraude, otros han defendido sus poderes, pero fraude o no, siempre recordaremos la noche en la que toda España soñó con el poder de la mente.



viernes, 5 de agosto de 2011

ROSCOE ARBUCKLE "FATTY": EL MISTERIO DE LA BOTELLA ASESINA


Hoy vamos a hablar de una mis historias favoritas, el misterioso caso de Roscoe Arbuckle, más conocido como "Fatty".

Albuckle fue un actor cómico estadounidense del cine mudo. Nació en 1887 en Kansas, y comenzo su carrera cinematográfica con la compañía Selig Polyscope. Fue allí donde adopto el termino "Fatty" ("Gordito" en ingles), el cual detestaba. Pese a su gordura  Albuckle era tremendamente ágil, y sus películas están llenas de persecuciones y numerosos gags visuales. de hecho él fue el inventor del famoso gag de la tarta estrellada en la cara.


Albuckle consiguió el primer papel en la industria del cine a Buster Keaton, fue en 1917 con el corto "The Butcher boy". Gracias a esto Buster y Roscoe forjaron una gran amistad que duro hasta la muerte de este ultimo.

Pero quizás para muchos de vosotros ahora que os estoy hablando de "Fatty" todo este personaje os resulte completamente desconocido, pues bien, ahora vamos a hablar por lo que realmente ha pasado Roscoe a la historia, el famoso caso de la fiesta, la botella y la muerte.

El 3 de Septiembre de 1921, cuando estaba en la cima de su carrera siendo el actor mejor pagado de toda la historia del cine, Roscoe decidió tomarse unos dias libres y se traslado a San Francisco con unos amigos. Se registraron en el hotel Saint Francis (que en la actualidad aun existe) y organizaron una fiesta.

Tras 48 horas de fiesta ininterrumpida decidió unirse a la celebración una joven aspirante a actriz de 26 años llamada Virginia Rappe. Virginia fue recibida por Albuckle en pijama. Una vez en la fiesta Virginia empezo a beber demasiado alcohol y llegó un momento que tuvo que ir al baño a vomitar, donde la encontró Albuckle, encerrandose con ella durante 15 minutos, tiempo en el cual Albuckle supuestamente violó a Rappe.

Despues Rappe cayó gravemente enferma y fue examinada por el medico del hotel, que dictaminó que probablemente Rappe sufría de una intoxicación etílica. Rappe murió tres días después de peritonitis causada por perforación de la vejiga. Maude Delmont, amiga de Rappe y que tambien estuvo en la fiesta, culpó a Albuckle de la muerte de Rappe, alegando que la ruptira de su vejiga se produjo al ser violada con una botella de Cocacola o de vino introduciendoselo en la vagina. Albuckle rechazo tales acusaciones manteniendo su inocencia y Delmont lo denunció a la policía  con la esperanza de llegar a un acuerdo monetario con los abogados de Albuckle, pero a partir de ahí todo se fue de las manos.

Tras un largo juicio nunca se pudo saber lo que realmente ocurrio en las habitaciones 1219, 1220 y 1221 del hotel Saint Francis, por lo que finalmente Roscoe Albuckle fue declarado inocente de todos los cargos. Pese a ello los dueños de los estudios cinematográficos prohibieron a los amigos de Albuckle en la industria cualquier manifestación de apoyo, siendo Buster Keaton el único que desobedeció la prohibición y manifestó su apoyo incondicional a Albuckle. También se destruyeron la mayoría de las copias de las películas en las que aparecía Albuckle, razón por la cual actualmente apenas quede material suyo.

Albuckle pasó de ser el actor mejor pagado de norteamerica a ver su carrera arruinada y hundida.

El 29 de Junio de 1933 Albuckle firmó un nuevo contrato con Warner, cosa que le hizo declarar "hoy es el día mas feliz de mi vida", y no era para menos, por fin habian vuelto a confiar en él y podría volver a ver relanzada su carrera cinematográfica, pero el destino, caprichoso siempre, quiso que tan solo unas pocas horas despues de haber firmado dicho contrato, Albuckle muriese de un ataque al corazón. Tenía solo 46 años. Buster Keaton, mostrando una vez más la gran amistad que le unía a Albuckle declaró en repetidas ocasiones que Albuckle había muerto porque le habían roto el corazón.

Y como la vida de Albuckle estuvo siempre rodeada de misterio, despues de muerto no iba a ser menos, y hasta el día de hoy, ademas de que aún no se sepa si realmente Albuckle asesinó o no a Rappe, tampoco se sabe donde están los restos suyos, ya que fue incinerado y a partir de ahi se perdió su pista, unos dicen que las cenizas desaparecieron misteriosamente, otros que fueron esparcidas por el Oceano Pacifico... lo que si sabemos con certeza es que la tumba situada en el cementerio Woodlawn, en el Bronx, en Nueva York, la cual muchos afirman que es la tumba de Roscoe Albuckle, en realidad no lo es sino que es de Macklin Albuckle, actor y primo suyo.




miércoles, 13 de julio de 2011

NOTAS BASICAS DE LA PROFUNDIDAD DE CAMPO


La profundidad de campo es el espacio por delante y por detrás del plano enfocado, comprendido entre el primer y el último punto apreciablemente nítido reproducidos en el mismo plano de enfoque.

Pero para entenderlo mejor, podemos decir que la profundidad de campo en óptica y en fotografía es la zona en la cual la imagen captada por el objetivo es nitida o lo que es lo mismo, esta enfocada. Por lo tanto, las personas u objetos que esten dentro de esta zona apareceran nitidas.

Depende de cuatro factores: el tamaño del circulo de confusion (y por tanto el formato y el tamaño de la impresión, además de la distancia de observación y de la capacidad resolutiva de cada observador), la distancia focal, el número f y la distancia de enfoque.

La profundidad de campo depende por tanto de la distancia focal. La distancia focal no varía y la profundidad de campo tampoco, siempre y cuando de cada formato ampliemos una copia proporcional, y las veamos, tengan el tamaño que tengan, a la misma distancia.

La profundidad de campo no es una zona en la que la fotografía está enfocada perfectamente sino la zona de la fotografía donde el foco es lo suficientemente cercano al plano nítido como para ser aceptable. La profundidad de campo no dicta tampoco cuán borrosos estarán los planos alejados del plano nítido.

La profundidad de campo aumenta en relación inversa a la apertura, es decir, cuanto más cerrado se encuentra el diafragma o lo que es lo mismo, cuanto mayor sea el número f elegido. Por ejemplo, con un diafragma de f5,6 la profundidad de campo no será muy amplia, mientras que con un diafragma de f11 o de f16 será considerable.
Por otra parte, cuanto más cerca se encuentre el motivo que se desea fotografiar, menor será la profundidad de campo, independientemente del diafragma seleccionado. Si se utilizan teleobjetivos también se reduce la profundidad de campo. Pero con objetivos angulares, la profundidad de campo aumenta.


El hecho de que un diafragma muy abierto reduzca la profundidad de campo, explica que las personas miopes vean peor de noche ya que el rango enfocado se reduce, el defecto visual se hace más evidente debido a que hace falta más precisión en el enfoque.